XX-luvun taide kevä-kesä-kokoelmissa
JÄLLEEN KESTÄVÄSSÄ PÄÄKÄ puhuu podiumin trendeistä, jotka voidaan mukauttaa vaatekaappiin seuraavien kuuden kuukauden aikana. Tässä numerossa käsitellään kauden kirkkainta suuntausta - taidetta, joka ilmestyi Prada-Prabal Gurungin suunnittelijoiden kevät-kesän kokoelmissa.
Miten kaikki alkoi
Taidemaailman ajatukset ovat aina vaikuttaneet vaatteiden ja kankaiden suunnitteluun. 1920-luvulla Henri Matisiksen johtama avantgarde ja fauvisti vaikuttivat muotiin, jota voidaan jäljittää Paul Poiretin vaatteissa. Madeleine Vionne ihastui kubismiin ja käytti vaatteita geometrisia muotoja ja viivoja, ja futuristinen taiteilija Ernesto Tayat suunnitteli talonsa Vionnetin logon. 30-luvulla tuli surrealismin intohimo. Elsa Schiaparelli loi makeisia ja maapähkinöitä ja oli ystäviä Salvador Dalin ja Jean Cocteaun kanssa, jossa oli silkkihame, jossa oli hummereita, takki, joka kuvasi naista, jonka pitkät hiukset juoksivat hihassa ja kädet vyötärön ympärille. Näitä ja muita ideoita syntyy useammin kuin kerran nykyaikaisissa suunnittelijoissa, mukaan lukien venäläiset (ajattele Aleksanteri Terekhovin syksy-talvi - 2013 kokoelma).
50- ja 60-luvuista tuli aikakausi, jolloin muodin, musiikin ja taiteen keskinäinen yhteenkuuluvuus ja väritelevision muodostuminen saatiin päätökseen visuaalisen kulttuurin läpimurtoon. Samalla on syntynyt kulutus-, replikointi- ja massamarkkinat - kaikki, mikä ei ole menettänyt asemaansa tähän mennessä. Nuoret kaatoivat luoviin korkeakouluihin ja yliopistoihin, ja Lontoossa ja New Yorkissa se oli muodikas olla suunnittelija, valokuvaaja, malli, graafinen tai muotisuunnittelija (eikä koskaan lakannut). Rock-tähdille uudelleenkoulutetut suunnittelijat (esim. Pete Townsend The Whoilta tai Keith Richardsilta Rolling Stonesilta) ja taiteilijat loivat julisteita konsertteihin ja albumin kansiin, kun taide ilmestyi jokaisessa lamppupylväässä.
Pop-taiteilijoiden nimet tuntevat kaiken: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - he olivat ensimmäisiä, jotka heijastelivat kuluttajayhteiskuntaa ja populaarikulttuuria, jossa kuvataan, mitä ihmiset täällä ja nyt kiinnostavat (mainonta, televisio, tavaroiden kaupat). Pop-taiteen isä on brittiläinen Richard Hamilton, joka loi ensimmäisen ja tunnetuimman kollaasin "Joten mikä tekee kotimme tänään niin erilaisiksi, niin houkutteleviksi?" vuonna 1956. Roy Lichtenstein kokeili kuvia sarjakuvista ja sarjakuvia. Andy Warhol, ennen kuin hänestä tuli taiteilija, työskenteli kuvittajana, näyttää siltä, että kaikissa muodikkaissa toimituksissa New Yorkissa on oikeat yhteydet ja vihreää valoa lajityyppeihin. John Cale Warholin sponsoroimasta Velvet Undergroundista oli naimisissa muotisuunnittelija Betsy Johnson, joka hiljattain jatkoi vaatetustuotantoaan 72-vuotiaana. Tuolloin Betsy loi hauskoja T-paitoja Youthquake-etiketin alla ja työskenteli yhdessä New Yorkin tärkeimmistä ajan myymälöistä - Paraphernalia Madison Avenuella, joka toimi yhteistyössä Edie Sedgwickin ja Warholin kanssa. mini-mekot ja ostoskassit (kertakäyttöiset vaatteet tulivat sitten muotiin).
Pop-taiteen kukoistamisen aikana 60-luvulla oli tarvetta halpaan ja nopeaan suunnitteluun - myymälät vastasivat nopeasti ihmisten pyyntöihin. Esimerkiksi Abingdon Roadin Biba-myymälä päivitti kokoelmansa joka viikko - tämä on tekniikka, joka toimii nyt menestyksekkäästi massamarkkinoilla. Twiggy kirjoitti: "Kaikki meni ulos muodista aivan yhtä nopeasti kuin se tuli. Kuitenkin vain se moderni, joka houkutteli, työnsi kaiken vanhan."
Pop-taiteen huomiotta jättäminen oli mahdotonta. Yves Saint Laurent keksi vastoin neuletakit, joissa oli sovelluksia sydämen, naisten profiilien ja huulien muodossa, jotka tulkitsivat äskettäin Edie Slimane. Saint-Laurent-kokoelman "Mondrian" jälkeen vuonna 1965 Stephen Willats loi samanlaisen vaatteen "Changing Sheets", mutta vain uudenaikaisesta vinylistä. Pierre Cardin kokeili vinyyliä, ja Roy Halston loi mekot, joissa oli Warholin 1964-kukat, joita Miuccia Prada lainasi vuoden 2013 kevät-kesän kokoelmassa.
1980-luvulla taiteilija Keith Haring, joka tunnetaan pop-art-graffitistaan, avaa New Yorkissa Pop Shopin, jossa hän myy T-paitoja teoksineen. Vivienne Westwood työskentelee myös Haringin kanssa 80-luvulla Witches-kokoelmassa, jossa britti toistaa taiteilijan teoksia kirkkailla väreillä, ja tänään Haringin T-paitojen teoksia soveltaa Uniqlo-brändi, joka myös julkaisi yhteistyön New Yorkin nykytaiteen museon kanssa. Vuonna 1991 pop-taide osoittautuu jälleen kerran: italialainen Gianni Versace luo tiukan puvun, jossa on stensiilihapon painos Marilyn Monroen ja James Deanin kanssa, kunnioittaen Andy Warholia. Puvun yhteensopimattomien värien täydennys on showgirl-tyylinen bustier, joka on koristeltu strassikiveillä ja kankaalla. Naomi Campbell ilmestyy tässä mekossa ja Condé Nastin presidentti Nicholas Coleridge panee merkille, että Versacen asiakasta ei rasita "korkea moraali".
Miten käytät taiteen innoittamia asioita nyt
Suunnittelijat eivät ole ensimmäinen kausi, jossa katsotaan taidetta, sitten pukeutuvat vaatteet, tunnetuiden taiteilijoiden kopiot (täällä usein mainitaan Bosch ja Gauguin), ja sitten tehdään yhteistyötä nykytaiteilijoiden kanssa. Tänä kauden aikana pop-taidetta korostettiin kuitenkin huomattavasti, vaikka se ei ollut ilman Gauguiniä (näimme hänen jäljennöksensä Aquilano.Rimondi-näyttelyssä ja couture-kokoelmassa Maison Martin Margielassa). 60-luvulla ja pop-taiteella moderni muoti liittyy ja muodin ja taiteen kaupallistaminen. Pop-taiteen silmiinpistävin ilmentymä oli Prada-kokoelma - Miuccia Prada uudisti nykyajan ja katutaiteilijoiden työn: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra ja muut. Lisäksi useat tuotemerkit, jotka tuottavat tyylikkäitä kytkimiä, ovat tulleet suosituiksi: Sarah's Bag sisältää Roy Lichtensteinin teoksia, Yazbukey luo kirkkaita sidoksia savukkeiden tai hammastahnan, British Lulu Guinnessin muodossa huulien muodossa. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott ja Ashish pop-taiteesta, koira söivät: täällä ja Coca-Colassa, ja tulosta ehkäisyn muodossa televisiossa.
Lisäksi Jeremy Scott, Moschinon seuraavan kauden kokoelmassa, jossa on käärimekot, mainitsee ensimmäiset mainokset, jotka on luotu mainontaa varten vuonna 1956, nimittäin midi Martini Label -pituuden puvut ja hameet. rullata ilmaisia festivaalijuomia. Christopher Kane luo hameet, joissa on painettu replikoitu väri, ja muistuttaa 60-luvun työstä. Raf Simons Christian Diorille käyttää pop-art-logomanian tekniikkaa. Missoni on innoittanut japanilaisia sarjakuvia. Kenzo mainitsee nykyaikaiset grafiikat ja piirustukset lyijykynillä. Prabal Gurung luo Marilyn Monroen kunnianosoituksen. Preeniä sovelletaan pukeutumiseen.
Useat tuotemerkit innoittuivat välittömästi abstraktista ekspressionismista, pääasiassa Jackson Pollockin ja Mark Rothkon teoksista. Chanelin kokoelmassa Lagerfeld painoi vaatteita värikkäiden värisävyjen muodossa, ja koristeli näyttelytilaa 75 taideteosta Chanelin talon symboleilla. maalauksia, veistoksia ja asennuksia näyttelyn jälkeen siirrettiin Pariisin Grand Palaisiin. Ennen kuin lähdet Jil Sanderiin, Gilles Zander sisälsi myös lukuisia abstrakteja tulosteita sisältäviä jousia viimeisimmässä yksivärisessä kevät-kesäkokoelmassa. Phoebe Failo on julkaissut kokoelman Сéline, jonka näyttää olevan sopusoinnussa fauvismin ja suuren näyttelyn kanssa. "Henri Matisse: The Cut-Outs, joka menee Tate Moderniin syyskuuhun asti, vaikka Calvin Kleinissä on myös yksi keula abstrakteja tulosteita.
Brittiläisen suunnittelija Jonathan Andersonin mukaan voittoa tavoittelemattomat kokoelmat osoittavat, että kriitikot ovat miettineet jo pitkään: ”Muoti ei ole koskaan ollut taidemuoto. Et voi verrata taiteilijaa ja suunnittelijaa. Erona on, että taide ei kuulu myyntiin, vaan päinvastoin, vuosien mittaan se on kasvanut hintaa, mutta harvinainen mekko pääsee muotimuseoon.
BEWARE!
Pienet demokraattiset tuotemerkit ovat jo kauan rakastaneet käyttää taidetta kaupallisiin tarkoituksiin, mutta ne yleensä tekevät etupäässä. Varo epäilyttäviä puseroita tai pusseja, joissa on Bosch, Van Gogh tai Campbell-keittoa. Jos et ole valmis maksamaan suuren taiteilijan työstä kalliissa hameessa, on parempi valita asioita abstrakteilla tulosteilla - esimerkiksi Zara-kokoelmassa. Hyvä hankinta tulee olemaan yhteistyö nykyaikaisen taiteilijan kanssa. Ja muistakaa tärkeintä - epätavalliset asiat vaativat huolellista toimintaa: yhdistävät ne jotain minimalistista ja jättävät hypertrofisoidun epäkeskisyyden Joan Aguzarovalle ja Andrei Barteneville.
kuvat: Tate Modern, Getty Images (4)